mercredi 28 mars 2012

Malcolm Arnold - The Heroes Of Telemark (1965)

EM/f.PC/LP 0038
Real. Anthony Mann
Mus. Malcolm Arnold
Dir. Mus. Malcolm Arnold

LP Mainstream Records S/6064 – Stereo (USA)

Side 1. 
1. Main Title (2:50) 
2. Stupid Fool (1:55) 
3. Must Get To England (3:15) 
4. German Army Band (1:05) 
5. Love Theme (« Anna ») (3:30) 
6. Fall Astern (4:26)

Side 2. 
1. Silent Night (1:57) 
2. Listen (1:48) 
3. Knute Skiing Away (2:45) 
4. Ferry Leaving Harbor (4:21) 
5. Destruction of Plant (4:10) 
6. Heroes of Telemark and End Titles (2:29)

Malcolm Arnold - Nine Hours To Rama (1963)

EM/f.PC/LP 0037
Real. Mark Robson
Mus. Malcolm Arnold
Dir. Mus. Malcolm Arnold

LP Decca LK 4527 – Mono (UK)

Side 1. 
1. Train Coming Into Delhi / The Astrologer Predicts 
2. Das Warns Gandhi 
3. Natu’s Father Dies 
4. Natu and Prahlad/Natu Meets Rani 
5. Wedding Dance 
6. Rani’s Theme 
7. Natu Tells Rani of His Oath

Side 2. 
1. Indian Concert 
2. Malabar Hill (Rani’s Theme) / The Swiss Hotel (Natu and Rani) 
3. Mourning Gandhi 
4. The Fire 
5. Indian Concert – Drums

Produced by Peter Attwood

Malcolm Arnold - The Lion (1962)

EM/f.PC/LP 0036
THE LION (1962)
Real. Jack Cardiff
Mus. Malcolm Arnold
Dir. Mus. Malcolm Arnold

LP Decca 820300-1 Stereo (UK)

Side 1. 
1. Opening Title Music 
2. Tina’s Theme (Love Theme) 
3. Drum Dance – Tina at Night

Side 2. 
1. King Dance of Happiness 
2. Tina’s Theme – End Title

Notes Back Cover
Robert Hayward (William Holden), an American lawyer whose wife, Christine (Capucine), has left him to marry a famous white hunter, John Bullit (Trevor Howard), arrives in Kenya, East Africa, in response to his ex-wife's plea that help is needed in rearing their 11-year-old daughter, Tina (Pamela Franklin).
Howard begins to understand what the child's mother meant when he discovers that Tina has become a child of nature, whose playmates are wild animals and whose best friend is a full grown lion whom she treats like a puppy. Tina lives by and accepts the law of the jungle, including its cruelties such as the native custom of leaving their old and sick out to die. As Christine has before him, Hayward realizes that his daughter is not being prepared for life in a more civilized society.
Around this central situation there are other currents: Tina and her stepfather are in perfect rapport and Tina resents the intrusion of her real father. Hayward and Christine find a re-awakened tenderness for each other and Bullit quickly becomes aware of it- and, naturally enough, resents it.
This increasing tension comes to climax at a native dance when a young chief, Oriunga (Paulo Oduiori), claims little Tina as his bride. Child brides are a commonplace of African custom, but, of course, the adult Europeans react in horror. Between this rebuff and because he has been denounced for pretending to chieftainship without having killed a lion, Oriunga dashes off to slay King, Tina's playmate.
An epic battle develops between the warrior and the lion, with Tina urging the lion to kill. The three adults come upon the scene and Hayward is clawed while pulling Tina away from the fight. Bullit shoots the lion, but not before he has fatally mauled Oriunga. The shot, though, also kills the relationship between Tina and her stepfather and makes the child want to leave her now ruined Eden. Bullit sees the futility of reconciling his way of life with either Tina or her mother and leaves Hayward and Christine and Tina to fly off together-presumably into a future together.

Malcolm Arnold - The Bridge On The River Kwai (1957)

EM/f.PC/LP 0035
Real. David Lean
Mus. Malcolm Arnold

LP Columbia CS 9426Stereo (US)

Side 1.  
1. Overture (4:24) 
2. The River Kwai March : Colonel Bogey 
    Int. Mitch Miller and His Orchestra  (2:26) 
3. Shear’s Escape (4:01) 
4. Nicholson’s Victory (4:43)

Side 2.  
1.  Working on The Bridge (3:00) 
2. Trek to The Bridge (8:29) 
3. Camp Concert Dance (1:20) 
4. Finale (2:12)

Notes Back Cover
The stirring music in this Original Sound Track Recording album is from one of the most exciting and distinguished films of recent years, THE BRIDGE OF THE RIVER KWAI. Based on the novel of the same name, and starring William Holden, Alec Guiness and Jack Hawkins, the movie builds to a genuinely thrilling climax in its story of the construction of a great bridge across a jungle river during World War II. Set in Siam, the story fascinatingly  weaves together the fates and philosophies of these remarkable men, and their daring feats during the Japanese occupation of the peninsula.
The album opens with the Overture, the mighty bridge. Next comes the celebrated Colonel Bogey March, depicting the proud whistling of captured British soldiers as they march into a Japanese compound, and its counter-theme The River Kwai March. (Mitch Miller and his Orchestra and Chorus have recorded this music). The third selection portrays Holden's escape from the camp. Then follows music depicting Alec Guiness'efforts to establish international law in the camp, then the joyous celebration at his victory. The fifth selection brings a moment of peace to the drama.
Next is heard the music following the construction of the great bridge. The Trek to the Bridge follows Holden, Hawkins and Horne through the countryside with their native guides. Camp Concert Dance shows the brave efforts of the captured British soldiers to entertain themselves during imprisonment, and the suite closes with the exultant return of the march.
The composer, whose score is preserved on this record, is Malcolm Arnold, the British composer-conductor whose many scores have included music for the film "Trapeze", and several noted overtures and symphonies. Here, as in his other works, he has underlined the emotions and tensions of the characters with notable feeling and at the same time produced some memorable music.

Malcolm Arnold - Trapeze (1956)

EM/f.PC/LP 0034
TRAPEZE (1956)
Real. Carol Reed
Mus. Malcolm Arnold
Dir. Mus. Muir Mathieson

LP CBS LSP 15856 – Stereo (ESP, 1986)

Side 1. 
1. Entry of The Gladiators (Pucik) 
2. Juke Box 
3. Tino’s Arrival in Paris 
4. Blue Danube (J. Strauss - Arr.: M. Arnold) 
5. Above The Ring 
6. Stars and Stripes Forever (Sousa)

Side 2. 
1. Prelude 
2. Lola’s Theme 
3. Fanfare and Elephants’ Waltz 
4. Mike and Lola’s Love Theme 
5. Trapeze (P. Elie) 
6. Washington Post March (Sousa)

Notes Back Cover
One of the most exciting motion pictures of 1956, Trapeze offered not only the built-in thrills of the circus, but a high-voltage team of stars, Burt Lancaster, Gina Lollobrigida and Tony Curtis, along with direction by Carol Reed and a lavish production. One of the most interesting aspects of the movie was its use of music, composed and assembled by Malcolm Arnold, to underline the atmosphere of the Parisian circus and the drama crackling among the principal players. Some of the high spots of the score have been collected in this recording taken from the soundtrack, demonstrating not only Mr. Arnold's skill and craftsmanship, but the building suspense of the film as well.
Against the fantastic and colorful background of the circus, the suspenseful drama traces the career of Tony Curtis as a young trapeze artist, and his training by Burt Lancaster, himself a former circus performer in real life. Gina Lollobrigida portrays a volatile acrobat whose scheming sets off a blaze of excitement leading to the thrilling climax. Throughout the story, Malcolm Arnold has provided music to heighten the drama, including many memorable themes.
Among these are Lola's Theme for Miss Lollobrigida, Mike and Lola's Love Theme for the romance between Mr. Lancaster and the beautiful Italian star, and Tino's Arrival in Paris, delineating Mr. Curtis'first appearance. Along with these and other notable moments of original music, Mr. Arnold has included a number of traditional circus pieces, including Johann Strauss' Blue Danube as the theme for many of the trapeze sequences, and two marches by John Philip Sousa, the Washington Post March and Stars and Stripes Forever. There is also that timeless circus favorite, the Entry of the Gladiators, by Julius Fucik. Much of the international flavor of Trapeze and its circus surroundings (American and Italian stars, along with the Mexican Katy Jurado, a British director, a Parisian setting) is echoed in this music, an authentic and delightful souvenir of the production.
Mr. Arnold, one of Britain's foremost young composers, is well-known for his many films scores, as well as for symphonic works in many forms. For the Diamond Jubilee of the Bournemouth Municipal Orchestra in 1953, he was commissioned to write a symphony, his second, which in the words of Malcolm MacDonald is "gay and uninhibited... a frolic resolutely refusing to carry the world's sorrows on its shoulders". Sim larly gay and uninhibited is Mr. Arnold's music for Trapeze, as indeed music for such a film should be. Here, then, are moments reflecting some of the moods of Trapeze, exhilarating, romantic, brooding, exciting, a mirror, in fact, of the kaleidoscopic circus life so vividly presented in a fascinating film.  

Harold Arlen - Gay Purr-ee (1962)

EM/f.PC/LP 0033
GAY PURR-EE (1962)
Real. Abe Levitow
Mus. Harold Arlen
Dir. Mus. Mort Lindsay

LP Warner Bros 1479 - Mono (US)

Side 1. 
1. Gay Purr-ee Overture (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland and The Chorus  
2. Mewsette (Arlen-Harburg)  
    Int. Robert Goulet  
3. Little Drops of Rain (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland 
4. The Money Cat (Arlen-Harburg) 
    Int. Paul Frees and The Mellow Men 
5. Portraits of Mewsette - Orchestra 
6. Take My Hand Paree (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland

Side 2. 
1. Paris is a Lonely Town (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland 
2. Bubbles (Arlen-Harburg) 
    Int. Robert Goulet, Red Buttons and The Mellow Men 
3. Roses Red, Violets Blue (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland 
4. Little Drops of Rain (Arlen-Harburg) 
    Int. Robert Goulet 
5. Variation-Paris is a Lonely Town (Orchestra) 
6. The Horse Won’t Talk (Arlen-Harburg) 
    Int. Paul Frees 
7. The Mewsette Finale (Arlen-Harburg) 
    Int. Judy Garland, Robert Goulet and The Chorus

Notes Back Cover
For what is unquestionably the finest original film musical score since "Gigi", Harold Arlen and E.Y. "Yip" Harburg have created for "Gay Purr-ee" a set of brand new songs rich in soaring melody and deft in lyric romance. With its off-camera company of musical comedy stars to provide the singing and speaking voices for Mewsette, Juane-Tome, Robespierre, Meowrice, and Mme. Rubens-chatte, the feline stars of the film, "Gay Purr-ee" posseses one of the most distinguished sound tracks of the decade.
"Gay Purr-ee" is one of a relatively new breed of films, the full-length, animated (cartoon) musical comedy. Produced by UPA, the much-honored studio that revolutionized cartoon making through its "Gerald McBoingBoing" and "Mister Magoo" series, "Gay Purr-ee" tells through story and, most especially, through song, the story of Mewsette, a lovable kitten with a set of eccentric pals. The complete, original sound track of the music for "Gay Purr-ee" is included in this album, together with stellar performances of the Harold Arlen-Yip Harburg songs by Judy Garland and a distinguished company of co-stars.

JUDY GARLAND portrays the role of the film's heroine, Mewsette, a naive, provincial kitten who hops a train to Ze Beeg Seety, Paree, in search of adventure. Miss Garland has proved again and again that she is one of the leaders in that rare elite in show business whose personal magnetism and ability to communicate the pure heart in a song make them the brightest of stars. At home on a Hollywood musical sound stage (where she practically grew up singing Arlen-Harburg songs), her more recent TV, concert, and film successes have made Miss Garland just about the most highly-prized vocalist in America.
ROBERT GOULET takes the part of Mewsette's strapping boy friend, the ever-devoted Juane-Tom ("the greatest mouse catcher in the world"), who seems to devote the better part of his youth to rescuing Mewsette from her Parisian adventures. Possessed of one of the most dramatic and hearty singing voices in years, Goulet skyrocketed to prominence in Broadway's "Camelot".
RED BUTTONS, who enacts Robespierre, Mewsette's faithful and tiny companion through her scrapes with the Cat-nappers, is well known to TV and film audiences. He joins Miss Garland in the distinction of having won an Academy Award Oscar for acting, he for "Sayonara".
HERMIONE GINGOLD takes the role of Mme. Rubens-chatte, proprietor of a feline beauty salon which transforms drab kittens into glamorized cats worthy of the richest, most discriminating Tom. A favorite of many film fans, Miss Gingold is best known for her film musical parts in "Gigi" and "The Music Man".
PAUL FREES portrays the suave, city-slicker Meowrice, the dastardly villain who abducts Mewsette in order to sell her off to a rich, old, Pittsburg coal cat. Frees, whose voice has been heard in thousands of commercials, on TV, and in film productions, has been termed the "busiest voice in Hollywood", having proved his vocal versatility in every field of the entertainment media.

The co-authors of the score to UPA's cartoon feature, Harold Arlen and Yip Harburg, probably possess a longer string of hit songs and shows between them than any other team writing today. Author of "Over the Rainbow", Judy Garland's by-now theme song, Harburg can be easily identified by a few of the dozens of scores he has created: "Wizard of Oz", "Finian's Rainbow", "Bloomer Girl", "Cabin in the Sky", and many others. Harburg joins the ranks of other Oscar winners in this album, having pulled down two, for "Over the Rainbow" and "Happiness Is a Thing Called Joe".
Long-time collaborator (and co-Oscar winner) Harold Arlen's compositions are equally notable. His credits run from the '30 "Cotton Club" revues, including such songs as "Stormy Weather", "I've Got a Right to Sing the Blues", and "I've Got the World on a String", to Broadway's "Bloomer Girl" and "St. Louis Woman", to original scores for a host of celebrated Hollywood musicals, including "Wizard of Oz", "Cabin in the Sky" and "Out of This World". From his scoring pen have flowed the melodies for such songs as "Paper Moon", "Blues in the Night", "That Old Black Magic", "Come Rain Come Shine", "Between the Devil and the Deep Blue Sea", and many others.
A Harburg-Arlen score invariably bespeaks of the highest quality and distinction in musical comedy. Sung by such a perfectly cast company of voices as those in "Gay Purr-ee", this collection will undoubtedly be one of the treasured phonograph albums of today as well as of the future. "Gay Purr-ee", with its treasure of songs and performances, deserves that high regard.

Harold Arlen - A Star is Born (1954)

EM/f.PC/LP 0032
Real. George Cukor
Mus. Harold Arlen
Lyrics: Ira Gershwin
Dir. Mus. Ray Heindorf

LP CBS 31695 - Stereo (UK, 1978)

Side 1.
1. Gotta Have Me Go With You (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland (2:44)
2. The Man That Got Away (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland  (3:39) 
3. Born in a Trunk (Gershwin) 
   Int. Judy Garland (14:12) 
   Medley containing : 
  (a) I’ll Get By (Turk-Ahlert) (b) You Took Advantage of Me (Hart-Rodgers) (c) The  BlackBottom (DeSylva-Brown-Henderson) (d) Peanut Vendor (Sunshine-L.W.Gilbert-Simons) (e) My Melancholy Baby (G.A. Norton-Watson-E.Burnett) (f) Swanee (Caesar-Gershwin)

Side 2.  
1. Here’s What I’m Here For (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland (3:09) 
2. It’s A New World (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland  (2:41) 
3. Someone at Last (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland  (6:42) 
4. Lose That Long Face (Arlen-Gershwin) 
    Int. Judy Garland  (3:56)

Notes Back Cover
For the out-and-out Garland fans, "A Star is Born" remains, forever, her finest single achievement of the many successes she chalked up via the silver screen. Typical of the Garland-Club. Sephton, who considers Judy's performance, musically as well as acting-wise, her very best. "She was so moving, yet at the same time so funny", he says. "Vocally, she was at her peak. Female vocalists of her age-she was about 32 at the time of making the film - are usually considered to be at their peak. And certainly, Judy was at her peak during 'A Star is Born'! You've only to listen, again, to her singing The Man That Got Away - my personal highlight from the film - to appreciate this. Of course, the music was just right for her, written by someone who had worked with her-most successfully-on previous occasions".
It says much for the perennial popularity of 'A Star is Born" that since its initial release in 1954 it has been re-released at regular intervals. This situation seems hardly likely to change in the future. Thankfully, too, the soundtrack album - including the two "lost" Garland numbers-has proved to be well-nigh indispensable. Thus, the uniformly excellent musical sounds to be found within this sleeve are available now for the fourth time. Proof-if indeed proof were needed-that Garland's singing, like the praiseworthy Arlen-Gershwin score, retains its quality of timelessness and overall excellence.
The two best-known Garland performances from the film are, of course, The Man That Got Away and Born In A Trunk. Frankly, the latter is nothing less than pure kitsch. Aside of a wholly convincing vocal from Judy, it is saved from complete anonymity by the clever interpolation of snippets from the standards I'll Get By, You Took Advantage Of Me, The Peanut Vendor, My Melancholy Baby, and Swanee. (Incidentally, the person responsible for the spoken command - "Play Melancholy Baby!" - is no less a personage than the one-and-only Humphrey Bogart. Originally, Bogart, who had become most enthusiastic about the film during its production- as well as about Judy's personal contributions-was one of an incredible short-list of possible choices to play Norman Maine. The others ? Marlon Brando, Henry Fonda, Gregory Peck and Cary Grant). The Man That Got Away remains the individual musical stand-out from the film. A tasty muted trumpet, together with Judy's wordless vocal introduction, leads into a performance which must rank with any of the lady's entire career. Tenor-sax, clarinet and piano, in turn, add their sympathetic obbligati as Judy unfolds the song's sad, sad story. Apart from projecting the lyric of this superior torch song with devastating conviction, she builds to a series of climaxes before the restrained, almost wistful, final bars.
Soothing strings provide a suitable backdrop for It's A New World. Judy sings the delightful Gershwin verse with a fetching tender quality. The refrain, in comparison, is more gutsy and emotive. Judy sings her heart out during this latter section of the song. Proving that it isn't necessary to go over the top in order to convey the joyful, exhilarating message implicit in the lyric. Rather, Judy's singing here is memorable as much for its sensitive under-statement as for its emotional content. The best singers, we are told, are invariably superb actors. A fact which this extraordinary entertainer proves, most expressively, during the finely constructed Someone At Last. Her spirited rendition of a woefully neglected song is a further admirable definition of her vocal art. Assisted by a mixed vocal chorus, she sings-act the lyric in truly inimitable way. A brash big band, and what appears to be an all-male back-up vocal group, is present during a joyful Gotta Have You Go With Me: one can scarcely hope for a more freewheeling, carefree example of her singing than this...
Of special interest-as much because of their absence from the film's actual soundtrack - are Lose That Long Face and Here's What I'm Here For. For the latter, strings act as a perfect complement to what is, technically speaking, Judy's finest vocal outing of all the items from 'A Star is Born'. Emotionally, too, there is little or nothing at which to complain. More jazz-tinged big-band accompaniment, together with some choice Basie-type piano work, helps Judy to make Lose That Long Face yet another winner. If her reading of the song's verse is fine, then her delivery of the refrain is exceptional.
So much more to write about the contents of this LP. Not necessary. Just slip the record from its inner sleeve, place carefully on your turntable, then assail your ears - in the nicest way... it won't be long before you'll want to repeat the same procedure... again, and again..

**The author of these notes wishes to acknowledge the help of Ken Sephton (Garland Club) and writer Ron Haver.

- Stan Britt

Harold Arlen - The Wizard of Oz (1939)

EM/f.PC/LP 0031
Real. Victor Fleming
Mus. Harold Arlen
Dir. Mus. Herbert Stothart, George Stoll
Lyrics : E.Y. Harburg

LP MGM Select 2353 044 – Stereo/Mono (UK)

Face 1. 
Musical and Dramatic Selections from the MGM Film The Wizard of Oz : Over The Rainbow, Int. Judy Garland – Munchkinland / Ding-Dong! / The Witch is Dead / Follow The Yellow Brick Road / We’re Off to See The Wizard / If Only Had a Brain, Int. Ray Bolger – We’re Off To See The Wizard / If I Only Had a Heart, Int. Jack Haley – We’re Off to See The Wizard / If I Only Had The Nerve – Int. Bert Lahr – We’re Off to See The Wizard.

Face 2. 
Musical and Dramatic Selections from the MGM Film The Wizard of Oz : If I Were King of The Forest, Int. Bert Lahr

Notes Back Cover
There is a certain brand of evergreen movie that withstands changes in fashion, style and presentation and endears itself to each new generation that discovers it. Such a movie is "Wizard of Oz" conceived - as they say - when the war clouds were looming over Europe and destined to become one of the greatest cheerer-uppers in the history of show-business. No matter that the colours now look a liitle brash, and the munchkins grotesque, or that the good fairy has bright blobs of vermillion on each cheek - who could resist ankle-socked Judy longing to be Over the Rainbow, or who, for that matter, could resist the cowardly lion, the squeaky tin man or the floppy scarecrow?
On this memorable album all the characters you cheered, hissed or wept over, once more spring irrepressably to life, and even if you haven't caught up with the movie for many years you'll suddenly find yourself recalling the green face of the witch, or that wonderful moment where the film suddenly wept into glorious technicolor, or the wizards wonderful workshop.
Unfair to pick out individual performers because the entire cast seemed so hand-picked and so perfectly in harmony with the entire enterprise, though it is probably true that this is the film for which Judy Garland will be remembered down the years. And though you could be forgiven for not knowing that it was Ray Bolger inside all that straw and Jack Haley encased in that shiny tin or Bert Lahr sweating it out in the lion suit, you would have to have been a very unimaginative child (or a very unaware adult even) if that loony trio had not captured even the tiniest portion of your mind. They were all the stuff that dreams are made of, and the music on this record should start you dreaming all over again.
When you listen to this LPB spare a thought - not just for the wonderful cast and director (Victor Fleming) who made the dreams come true - but also for Harold Arlen and E.Y. Harburg, two of the most talented songwriters the movies could ever have wished to employ.

- Philip Jenkinson

The listener can follow with ease the story of Dorothy Gale's adventures in Oz through the dialogue on the record. She expresses her yearning for a "place where there's no trouble" in the lovely song, "Over the Rainbow". Suddenly a cyclone strikes, Dorothy is knocked unconscious by a flying window, and she awakes in the dazzling Land of Oz. There, in a fairyland of colour and beauty, Dorothy learns she's a heroine because the house in which she arrived struck and killed a wicked witch. The Munchkins sing "The Muchin Song" and "Ding-Dong The Witch is Dead" but Dorothy is interested in returning home to Kansas. Glinda, the beautiful good witch, advises Dorothy to see the Wizard of Oz, who will help her return to Kansas. Dorothy follows The Yellow Brick Road, and soon meets a talking, dancing scarecrow (Ray Bolger) who tags along with her because he hopes the Wizard will give him a brain. Soon they meet The Tin Woodman (Jack Haley) who joins them on the Yellow Brick Road because he wants the Wizard  to give him a heart. And their party is complete when they meet The Cowardly Lion (Bert Lahr) who hopes the Wizard will give him courage. Each of the newcomers sings a song about his plight: "If I Only Had A Brain" (Bolger), "If I Only Had A Heart" (Haley) and "If  I Only Had The Nerve" (Lahr). Together with Dorothy, they sing "Were Off to See The Wizard" as they wend their way down the endless Yellow Brick Road.

The Cowardly Lion sings "If I Were King Of The Forest" as the group waits to see the Wizard. Finally the Wizard appears and agrees to grant their wishes if they bring him the broomstick of The Wicked Witch Of The West (Margaret Hamilton), who has tried to prevent their meeting with him. More adventures follow as Dorothy is captured and escapes, and as the Witch kidnaps Toto because Dorothy and her friends keep outwitting her. But finally, the valiant quartet conquers the Witch and returns to the Wizard with her broomstick. There, the Wizard (Frank Morgan) is discovered to be a fraud, but he does prove to The Scarecrow that he has had a brain all along, and to The Woodman that he has had a heart, and to The Cowardly Lion that he has had courage. For Dorothy, The Wizard produces a huge balloon to take her back to Kansas. But Toto slips away, and as Dorothy chases him, the Wizard is swept away in the balloon. But all is not lost. Glinda, The Good Witch, reappears and tells Dorothy that she can go home anytime she wishes because she has learned the truth: "There's No Place Like Home". Soon, Dorothy is back in her own bed in her own room in her own home in Kansas, and although no one believes the story of her adventures, she is happy again because she is where her loved ones are.

When producer Mervyn LeRoy and director Victor Fleming began to put together the pieces that would make up this film classic, they were working with a book by L. Frank Baum which had been enjoyed by an estimated 80,000,000 persons. A stage version of the story, starring Fred Stone and Dave Montgomery, had played 941 American cities after a Broadway run of more than four years. The film of the "Wizard of Oz" was honoured by three Academy Awards: Best original Music Score (Herbert Stothart), Best Song (Over The Rainbow) and a special award to Judy Garland. 

Sebastian Argol - Yol (1982)

EM/f.PC/LP 0030
YOL (1982)
Real. Yilmaz Güney, Serif Gören
Mus. Sebastian Argol

LP Milan A 120 CH 001 - Stereo (Switzerland)

Face A. 
1. L’île (Générique-Part I) (3:18) 
2. La Permission (2:45) 
3. SAZ (0:53) 
4. Les Corps (1:58) 
5. A l’écoute des champs (2:26) 
6. Les Cavaliers dans le vent (2:22) 
7. La Tempête (3:25)

Face B. 
1. L’Homme et la Neige (2:31) 
2. Sur la route – Ahmedo Muso (un mixage spécial du film) (1:25) 
3. L’île (Générique – Part II) (3:18) 
4. Ehmedo Roni (Chanson d’amour Kurde) (3:35) 
5. Vers l’inconnu (3:42) 
6. La Solitude – Thème final (1:50)

Produit par Sebastian Argol et Oldrich Horak

Notes Back Cover
La douleur a mille couleurs, mille visages, tout comme les vents, les oiseaux et les fleurs. Avec des hommes que j'ai connu de près, et à travers eux, j'ai essayé de conter dans ce film douleurs, amours et regrets, même si ceux-là paraissent incompréhensibles ou incroyables à certains.
Tant que vivront les hommes, je crois que les douleurs, les amours et les regrets vivront aussi sous ces différentes formes. Parce que l'homme, conscient ou non, est le seul porteur de l'amour et de la douleur.

- Yilmaz Güney

Jack Arel - La Baraka (1982)

EM/f.PC/LP 0029
LA BARAKA (1982)
Real. Roger Hanin
Mus. Jack Arel

LP Disc’AZ/2 455 – Stereo (FRA)

Face 1. 
1. Générique Début (2:17) 
2. Marseille, l’arrivée des pêcheurs (0:50) 
3. Philippe et Prado (1:26) 
4. Les Achats (1:30) 
5. La Dénonciation (1:23) 
6. Thème de Catherine (1:18) 
7. La Recherche de Julien (1:43) 
8. Les Gendarmes (1:04) 
9. Friend (P.Slade-J.Arel) 
    Int. Paul Slade (1:33) 

Face 2. 
1. Arrivée du TGV (1:33) 
2. Le Bateau (2:09) 
3. Le Déjeuner chez les Delcourt (1:45) 
4. La Bouillabaisse au poulet (2:24) 
5. Prado blessé (0:58) 
6. La Baraka (2:40) 
7. Souvenirs d’Alger (1:07) 
8. Les Flics (0:58) 
9. Thème de Prado et Générique fin (4:03)

Arrangements et direction d'orchestre: Sylvano Santorio et Maurice J. Elison
Direction artistique: Marie Thomassin
Enregistré au Studio des Dames par Jean-Louis Labro

mardi 27 mars 2012

Le Faux coupable : le gardien du tempo


Manny Balestrero (Henry Fonda), contrebassiste au Stork Club à New York, marié et père de deux garçons, est arrêté à tort pour une série de hold-up à cause de sa ressemblance avec le véritable coupable. Bien qu’il clame son innocence, Balestrero est emprisonné puis, libéré sous caution. Ayant pris contact avec un avocat (Anthony Quayle), il part avec Rose, sa femme (Vera Miles), à la recherche d’un alibi. Malheureusement, ceux qui auraient pu témoigner en sa faveur sont morts. Rose réagit très mal à cette série de malchances et son mari est obligé de la conduire dans une maison de santé. Peu après, le vrai coupable tente un autre hold-up, rate son coup et est arrêté. Manny Balestrero est enfin innocenté.

Le titre de ce long-métrage est l’un des sujets les plus chers à Hitchcock. Pourtant, ce n’est pas un film d’espionnage comme The Thirty-Nine Steps (Les 39 marches,1935), Saboteur (Cinquième Colonne, 1942) ou, plus tard, North by Northwest (La Mort aux trousses, 1959), ni une comédie policière comme Young and Innocent (Jeune et innocent, 1937) ou To Catch a Thief (La Main au collet, 1955). Ici, Alfred Hitchcock traite le cas clinique d’une erreur judiciaire. Aucune bagarre ou poursuite, aucune réplique ou situation comiques. Hitchcock s’inspire d’une histoire vraie et pour sa traditionnelle apparition, cette fois en silhouette et avant le générique du début, le cinéaste joue son propre rôle pour mieux attester la véracité des faits. Ce soucis de réalisme, proche du documentaire, se retrouve d’une part dans l’utilisation du noir et blanc mais aussi dans la musique.

Pour sa troisième collaboration avec Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann laisse ses joyeuses mélodies de The Trouble With Harry (Mais… qui a tué Harry ?, 1955) ainsi que le Royal Philharmonic Orchestra et les musiques arabisantes de The Man Who Knew Too Much (L’Homme qui en savait trop, 1956) pour une partition toute enretenue. Il n’a pas vraiment recours au leitmotiv comme dans ses autres films car ici la musique suit l’évolution du protagoniste. Alors que le récit est linéaire, avançant par étape et sans retour en arrière (la vie de Manny Balestrero, son arrestation, sa libération sous caution, la recherche des témoins, la dépression de sa femme et enfin la découverte du vrai coupable), Herrmann reprend rarement un thème déjà exposé. La mélodie, l’harmonie, l’orchestration évoluent en même temps que la situation de Manny. C’est même la musique qui divise le film en deux parties, la seconde commençant lorsque le protagoniste est libéré sous caution. Dans la première partie, la contrebasse - l’instrument que pratique Balestrero - domine la partition, alors que dans la seconde, de nouveaux thèmes accompagnent les différentes étapes de l’aventure du couple.

Contrairement à la musique pour orchestre à cordes de Psycho (Psychose, 1960), qui sera l’équivalent sonore du noir et blanc des images, celle de The Wrong Man (Le Faux coupable, 1957) reflète la grisaille d’une histoire douloureuse. Lors du retour du travail de Manny Balestrero, c’est la musique, jouée par la contrebasse, “fil conducteur” de cette première partie, qui donne un sens à cette courte séquence sur sa vie de famille. La musique commence alors qu’il ouvre la porte de chez lui après avoir pris une bouteille de lait sur le pallier, va voir ses enfants endormis et retrouve sa femme éveillée. La monotonie de la vie de Manny est soulignée par un ostinato à la contrebasse puis confirmée par la mélodie jouée à la flûte et à la clarinette. Composée sur le mode de ré sur do, mode mineur médiéval qui lui confère une certaine tristesse, elle sera ré-exposée une dernière fois quand Rose, après la libération sous caution de Manny, téléphonera à un avocat : la musique semblera alors nous laisser comprendre que l’épouse du protagoniste essaye de reprendre les choses en mains et tente ainsi de retrouver le bonheur, sinon la tranquillité perdue.

Avec l’arrestation de Manny, ce premier motif se modifie sensiblement. Les portes de la voiture de police se referment et, coincé entre deux commissaires, il regarde la silhouette de sa femme chez elle, derrière des stores vénitiens, alors que le véhicule s’éloigne. Herrmann fait entendre le même motif régulier d’accompagnement à la contrebasse, calme, à l’image de Manny qui ne perdra jamais son sang froid. Cependant, il lui ajoute un motif atonal et donc dissonant par rapport à l’accompagnement, soulignant ainsi le changement brusque dans la vie routinière du contrebassiste. Le trouble de celui-ci est amplifié par l’ambitus restreint (une quinte diminuée : mi-si bémol), les chromatismes de la mélodie et enfin par le timbre feutré de la trompette bouchée qui la joue. Herrmann accentue même le contraste entre la vie sans histoire du personnage (l’ostinato à la contrebasse) et son arrestation (la mélodie à la trompette). Ces deuxthèmes, joués en écho, traduisent ainsi les pensées de Manny : ‘‘c’est d’un autre qu’il s’agit ’’. Le calvaire continue lorsqu’au commissariat on lui demande de déposer ses empreintes digitales : mais le motif de la contrebasse, bien que toujours régulier, change en même temps que le personnage par la répétition d’une ligne descendante. Manny confondu avec le voleur, les deux motifs trouvent alors une rythmique commune.

C’est avec une légère variation (la mélodie du motif de Manny n’est plus aussi régulière) que la musique reprend quand il est emmené dans une cellule. La grille claque et des clusters à la harpe accompagnée par une clarinette basse traduisent la confusion dans son esprit. Les deux motifs (contrebasse et trompette) sont repris mais ‘accelerando’ et ‘crescendo’, chacun à nouveau sur un rythme indépendant, alors que la caméra trace des cercles autour du visage de Manny illustrant ainsi l’abîme dans lequel il tombe. Le lendemain, Balestrero est conduit au tribunal : les motifs - déjà entendus quand celui-ci est obligé de se rendre dans les deux magasins où il est suspecté d’avoir volé - varient peu à peu avec comme constante des lignes descendantes. Celles-ci expriment la descente aux enfers que subit Manny et c’est ainsi qu’il faut comprendre ces variations de plus en plus dissonantes entre les instruments.

A compter de la libération du héros, de nouveaux thèmes apparaissent pour suivre la narration. La contrebasse, symbolisant à la fois le métier de Manny et son trouble, n’est plus prédominante. Balestrero travaille toujours au Stork Club mais désormais il prend son destin en main et va tout faire pour prouver son innocence. Les pizzicati de contrebasse ne représentent plus les pas d’un homme dans un monde de cauchemar. Libéré sous caution, Manny retrouve sa famille et, lors de la conversation avec son fils, Herrmann introduit un quatuor/duo d’instruments à vent. En effet, la relation très forte entre Manny et son fils Bob est marquée par un motif joué en écho aux clarinettes puis aux flûtes, ces instruments groupés par deux jouant à la tierce comme pour mieux renforcer leur complicité.
L’enquête de Manny et Rose Balestrero est illustrée par un nouveau motif sur deux notes joué à la trompette bouchée et au basson, accompagné d’un contre-chant descendant à la harpe, qui ponctue chaque étape dans la recherche des témoins de l’innocence de Manny : la maison de vacances où était le couple pendant les vols, la visite chez les témoins Lamarca et Molinelli. Les deux notes jouées ad libitum sont à l’image de l’enquête : vaine et répétitive et les arpèges brisés joués à la harpe sont comme les prémisses de la dépression de Rose.

Le même instrument, mais cette fois sur une mélodie atonale, accompagne deux notes tenues à la flûte quand l’avocat chargé de l’affaire remarque que Rose “parait très malade”. A l’instar des repères psychologiques qui ont disparu pour la femme de Manny, Herrmann fait disparaître les repères tonals de la mélodie, la privant ainsi detoute assise. Ce motif lancinant et joué ‘piano’ éclate en même temps que Rose lorsqu’elle frappe son mari au front. Climax de cette seconde partie du film, il se termine sur la sonnerie de la pendule annonçant l’inquiétante tranquillité de la clinique psychiatrique où la jeune femme va entrer. Ce motif apparaît comme l’incipit (1) du thème de l’asile. La mélodie est jouée au piccolo face à une clarinette basse et une flûte - ‘largo’ et ‘pianissimo’ - à l’image du lieu, calme et reposant mais où les extrêmes sont confrontés l’un à l’autre tels ces instruments aux tessitures opposées. Ce motif traduit également la démarche lente de Rose mais aussi son indifférence à tout ce qui peut désormais arriver.

De toutes les musiques d’Herrmann pour Hitchcock, elle apparaît comme la plus désespérée d’autant qu’elle est reprise une deuxième fois alors que Manny vient voir son épouse pour lui dire qu’il est innocenté. La fiction - ici la musique - rejoint la réalité car, à en croire Hitchcock, à l’époque du tournage la vraie Rose Balestrero était toujours à l’asile. Enfin, le dernier temps fort du film montre le visage de Manny priant, sur lequel vient se superposer par un fondu enchaîné le visage du vrai coupable. Ultime motif du film - excepté la rumba du Stork Club et le bref épilogue en Floride - il rassemble les quelques instruments employés pour la musique du film (flûte, trompette bouchée, basson, cor, clarinette, harpe) : tout est alors réuni pour que l’histoire s’achève.

Reste le générique. Herrmann n’a pas encore mis en musique les spirales de Vertigo (Sueurs froides, 1958) et les lignes droites de La Mort aux trousses et de Psychose dessinées par Saul Bass, mais sa partition donne néanmoins un sens au générique. Comme pour le précédent film d’Alfred Hitchcock, L’Homme qui en savait trop, l’ouverture commence par un long plan sur des musiciens. L’orchestre symphonique de l’Albert Hall de Londres a fait place à un combo au Stork Club de New York et bien sûr ce n’est pas une cantate, mais une rumba que la formation interprète. Si le générique est intéressant, ce n’est pas tant pour les informations qu’il nous donne - la profession et l’instrument de Manny n’ont aucune répercussion sur l’intrigue - mais pour la manière dont le temps y est traité. Deux minutes vingt de musique racontent une soirée parmi tant d’autres dans la vie de Balestrero. Pendant que l’orchestre joue la rumba composée de deux motifs répétés plusieurs fois, la salle pleine du cabaret, par fondus enchaînés, se vide peu à peu (à la fin un serveur bâille ostensiblement). Le générique s’achève sur un plan rapproché de l’orchestre qui joue la coda, puis le pianiste, par un signe de la main, fait cesser la musique.

Hitchcock et Herrmann utilisent ici un procédé cinématographique classique mais toujours efficace qui consiste, aidé par la musique qui plus est ici, diégétique, à comprimer le temps de la narration. Par ce biais, ils semblent aussi vouloir montrer au spectateur l’unicité du répertoire musical joué par Manny tous les soirs. L’impression de monotonie va d’ailleurs se confirmer dans les plans suivants, les autres aspects de sa vie étant également sans surprise. Quelques semaines plus tard, alors que Manny libéré sous caution a repris son travail au Stork Club, la même musique est à nouveau entendue dans une courte séquence. Le changement dans la vie de Manny sera illustré par un autre thème toujours dans le style latino-américain quand, dans une troisième et dernière séquence au cabaret, le patron vient apprendre à Manny que le vrai coupable a été arrêté. Seul moment de musique chaude et colorée, la rumba du générique, par sa répétition, ne dénote qu’apparemment avec ce qui va suivre.

La profession et l'instrument de Manny n’ont aucun rôle dans l’intrigue, ni les répercussions qu’on trouve dans d’autres films mis en musique par Bernard Herrmann : le pianiste dans Hangover Square (John Brahm, 1945) sombre dans la folie et, dans L’Homme qui en savait trop, les cymbales jouent le rôle que l’on sait. Pour autant, le fait que Manny soit contrebassiste ne semble pas dû au hasard (2). Contrairement au batteur de Young and Innocent (Jeune et innocent, 1937) au pianiste de The Rope (La Corde, 1948), à la chanteuse de Stagefright (Le Grand alibi, 1950), Balestrero est innocent et ne se trahit pas en pratiquant son instrument. Il déclare même à l’un de ses fils qu’il ne doit en aucun cas laisser quelque chose lui faire perdre le rythme : ‘‘Travaille de ton mieux jusqu’à en devenir fou et frapper le piano’’. Manny parle de musique, de l’instrument qu’il pratique (dans une formation de jazz le bassiste est, avec le batteur, le gardien du tempo) mais aussi de la vie. Il continue à adopter cette ligne de conduite lorsqu’il est accusé de vols, même si la vie routinière est sérieusement perturbée depuis son arrestation. 
Enfin, bien que Manny Balestrero soit contrebassiste dans un cabaret new-yorkais, la musique du Faux coupable est faite de variations thématiques et non d’improvisations jazzistiques. Bernard Herrmann utilise pour ce film une formation de jazz - harpe et basson exceptés - et de fait, la contrebasse est toujours jouée en ‘pizzicati’ comme toujours dans cette musique. Le style et l’orchestre du Stork Club, bien que très éloignés du jazz de l’époque, n’est pas sans le rappeler ne serait-ce que par l’influence sud-américaine. Le refus d’une musique improvisée est peut-être dû au fait qu’Herrmann connaissait mal ce registre : bien qu’Américain et donc sans doute imprégné de la musique populaire de son pays, il n’a jamais montré dans ses partitions un penchant pour ce style excepté dans certains thèmes de Taxi Driver (Martin Scorsese, 1975). Cependant on peut également avancer l’hypothèse qu’Herrmann ne souhaitait pas laisser à d’autres musiciens le soin d’improviser sur des thèmes même écrits par lui - ce que faisait Elmer Bernstein pour les films d’Otto Preminger à la même époque - et qui, par là même, lui auraient vraisemblablement échappé. Herrmann a tout écrit afin de contrôler sa musique et pour que sa partition reste conforme à ce qu’il désirait exprimer.
De tous les films d’Alfred Hitchcock de sa grande période américaine, Le Faux coupable est peut-être le moins connu et sa froideur y est sans doute pour quelque chose. La partition de Bernard Herrmann est, elle aussi, en retrait : pas de thème à fredonner et encore moins de musique à succès ; motifs courts, souvent atonaux et répétitifs pour ne pas dire obsessionnels ; formation restreinte (exceptée la rumba du Stork Club qui d’ailleurs fait entendre plus d’instruments qu’il n’y en a à l’écran). La discrétion de la partition musicale n’est pas étonnante quand on sait que le personnage principal est contrebassiste. Manny Balestrero, taciturne et peu expansif, joue d’ailleurs d’un instrument qui lui ressemble : on l’imagine mal jouant du saxophone ou de la batterie. La musique est là pour exprimer le cauchemar que vivent le couple et c’est pourquoi la musique diégétique du Stork Club paraît délibérément déplacée dans ce contexte et jure avec la vie sans couleur et sans éclat de Manny. Il faudra attendre Sueurs froides pour retrouver le lyrisme d’Herrmann et sa prédilection pour le grand orchestre. 

(1) En musique l’incipit représente les premières notes d’une œuvre. Il est notamment utilisé dans les offices religieux.
(2) Ces remarques s’appuient sur le scénario du film et non sur la réalité car nos recherches ne nous ont pas permis de savoir si l’homme qui a réellement vécu cettehistoire était contrebassiste dans un cabaret new-yorkais.

Jean-Pierre Eugène